Kill Bill: oltre gli estremi

“La vendetta non è mai una linea retta; è una foresta nella quale bisogna sapere biforcare per mostrare l’indicibile.”

Queste parole sono del maestro Hattori Hanzo, uno dei personaggi del film “Kill Bill”, scritto e diretto da Quentin Tarantino. Film che in realtà, per ragioni di tempo è diviso in due: volume 1 e volume 2, suddivisi a loro volta in capitoli ma, oltre ogni ripartizione, dato dalla visione d’insieme, un unico capolavoro. La frase con cui ho voluto iniziare è rappresentativa, e racchiude il percorso dello stesso film, nella cui visione, ugualmente, bisogna saper biforcare, affinché ci mostri quell’ indicibile.

Indicibile, che passa appunto dalla vendetta della Sposa, interpretata magistralmente da Uma Thurman, che qui veste i panni, o meglio, per esser precisi, la tuta gialla di questa killer di professione, che finirà disarmata dalla stessa mano che l’aveva armata, ma quel sangue versato finirà per trasmutarsi in lacrime, miracolo questo, della comprensione giunta, perché è umanamente impossibile, anche solo immaginare, che dietro a tanta violenza, possa nascondersi un gesto… di infinito amore.

Amore da cui ogni cosa ha inizio, seppur in un ambiente “malavitoso”. Amore verso l’uomo per cui lavora, Bill, e di cui porta in grembo sua figlia, e sarà proprio per lei, per tutelarla, che abbandonerà la sua professione rischiosa, il suo uomo e i suoi colleghi, facendo perdere loro le sue tracce, e avviandosi così, verso una vita mediocre, però sicura. Ma in fondo, lo sappiamo bene che la sicurezza è solo un’illusione, ed ecco infatti, che si ritrovano tutti in quella chiesa: lei che sta per diventare la sposa di un altro, e lui con i suoi sicari, calmo e lucido, già pronto ad effettuare il massacro pianificato, e chissà, quanto inconsciamente, il coma per lei e non la morte come tutti i presenti alla cerimonia funesta. Che anche nella violenza più determinata, può insinuarsi l’imprevisto, e in quello che apparentemente potrebbe sembrare un gesto portato avanti fino in fondo, c’è ancora un altro fondo che detta le sue leggi, e che fa arretrare in quell’ attimo sospeso, nell’ insondabile finezza dinamica, cambiando così, direzione o intento. Sottili sono i confini, laddove l’ambivalenza ammicca e confonde, intercalando sentimenti che, solo in apparenza, possono sembrare contraddittori, ma dal o nel momento che ci sfuggono, non è detto che non siano strettamente collaborativi.

Come pure cooperanti sono la vita e la morte che si giocano qui, sono loro in fondo i veri protagonisti e, nel gesto estremo e dell’estremo maltrattamento di Bill verso la Sposa, ormai insanguinata e massacratata, in quello stesso istante dello sparo che dovrebbe essere il colpo di grazia, c’è come l’invocazione alla vita nel mentre la si sta togliendo. E ciò che alla nostra percezione arriva come violenza, e che a tutti gli effetti lo è, contiene anche quella necessità di morire, per tornare a vivere, oppure… tanto meglio sarebbe morire definitivamente.

A questo punto, la stessa possibilità di giudizio viene offuscata, tanto il male come il bene, si dissolvono sotto i nostri occhi, restando solo un banale punto di vista, perché c’è violenza e violenza, e da quella che si fa a se stessi può non esserci scampo, mentre invece quella che ci viene fatta, può anche darci la possibilità di restituirci a noi. E Bill ha lasciato questa possibilità alla Sposa che, infatti, resiste, e al risveglio dal lungo coma, recupera le forze e il controllo del suo corpo, grazie agli insegnamenti ricevuti a suo tempo, da un inflessibile maestro di arti marziali, e lista alla mano, inizia la sua scalata di sangue e vendetta, con la stessa calma e lucidità del suo “carnefice”.

Film in un certo qual modo complesso e articolato, come del resto lo sono i rapporti dinamici, che sovente, tendiamo a semplificare. E laddove l’energia non si trattiene e fluisce, questa non può che passare da uno stato all’altro indifferentemente, transizioni che noi, solitamente, chiamiamo: “Opposti”.  Non facile però, spostarsi da questi e denominare il resto, mettere la parola su un qualcosa di così intenso che muove, se non quella che si presti a sfumare, lasciando spazio ad altra: parola e sentimento. La stessa visione del film va a sfumare, scorrendo attraverso la narrazione in flashback, in cui gli eventi si dispiegano, passando altresì, tra bianco e nero, animazione manga, effetti splatter, e notevoli sequele d’azione. Il tutto, per un mix davvero ben calibrato e diretto, che sempre muove sulle giuste note, incluse quelle a tutti gli effetti, delle diverse colonne sonore, che passano con perfetta assonanza da Ennio Morricone a Bernard Herrmann (Luis Enrique Bacalov), da Isaac Hayes (Run Fay Fun) a Jonathan Kaplan, da “Woo Hoo” dei 5.6.7.8’s a Quincy Jones, Santa Esmeralda e Nancy Sinatra, per sfociare infine, in uno struggente e suggestivo flamenco a ritmo di lame che tagliano l’aria innevata.

Penso o spero si sia capito, che ci stiamo muovendo in un contesto surreale, e che nulla va preso alla lettera e dislocato in un altrove, che sicuramente ci appartiene, ma non pertiene allo stesso film. Del resto, è lo stesso regista a definirlo il suo progetto più visionario: “Da allora il mio lavoro ha preso un’altra svolta. Sarebbe bello tornare a un mondo viscerale che non è composto solo da parole.”. Come pure surreali, sono gli stessi attori che qui si intercalano, in questa magica danza degli opposti che li attraversa, e da cui, si lasciano attraversare, autoeliminandoli così, a colpi di sciabola, restando intatti e non più divisi da sentimenti contrastanti. Affiora così, a piano a piano, l’originalità della trama, nonché una riflessione più profonda e avanzata su quella che è la nostra cultura dei sentimenti, e decisamente, un punto di vista più ardimentoso e reale.